今天，展览的价值何在？

　　艺术界的朋友们聊天，经常会问一个问题：“最近有什么好看的展览吗？”这个问题似乎变得越来越难回答。是XX美术馆的网红展吗？还是某个机构推出的年轻新面孔？抑或是一场看不懂的学术展览？

　　今天，艺术圈的你，还热爱看展吗？

2021 JINGART艺览北京现场的观展人群

看展热潮上涨与展览失效的“怪像”

　　事实上，今天的展览，并不缺流量。据雅昌艺术网多年来的数据调查显示：无论是各大艺博会，还是美术馆、画廊、机构等观展人群，都呈逐年上涨趋势。

　　然而，一个怪像是：一是看展热情在上涨，已经在大众层面形成了一种打卡热潮和看展经济。

　　但与此同时，从行业内部来看，对于一个展览，却不再像以前一样在大范围内产生很高的讨论热情。

“成为安迪·沃霍尔”展览现场，2021年7月，图片由UCCA尤伦斯当代艺术中心提供

　　细数下来，今天，我们并不缺乏好看的，重磅的展览。UCCA尤伦斯当代艺术中心的安迪·沃霍尔个展；今日美术馆宫崎骏个展等大型展览，都在大众层面引发了很高的关注度。

王光乐个展“波浪”现场，北京公社，2021年4月

　　而那些在行业内颇受赞誉的展览，如北京公社的王光乐个展，长征空间的汪建伟个展等，这些极具精神性的展览除了在业内引发的讨论，更应该在大众层面被更多的关注。

　　对普通大众而言，他们对于那些看似严肃的，专业的展览缺乏兴趣；而对于艺术界内部而言，那些热门的网红展览，又无法唤起艺术内部自身的动力。

　　在策展人鲁明军看来：“今天，展览的无效性已经成为了行业内的一个普遍现象，无论是年轻艺术家的个展，还是成名的艺术家大型的回顾展。一方面，艺术的圈层在不断地扩大。另一方面，艺术行业本身则不断地分化成一个又一个小的圈子。”

汪建伟个展“总是，不是全部”现场，长征空间，2021年3月

　　年轻的策展人杨紫谈到这个怪像：“如果曾经的艺术家是因为兴趣而集结在一起，现在艺术圈能集合起来，好像不是靠着这种惺惺相惜的感情了，靠的是商业思维。社群的消失和沟通的贫乏，注定会使得艺术家对艺术社群以外的系统更依赖，比如资本或金融系统——当下，我们的价值观是较为单一的，稍微边缘化一点的价值观很难生存下去。”

　　或许正因此，艺术再难成为一个群体事件，像曾经80年代末的“89现代艺术大展”、“星星美展”，或者90年代末的“超市艺术展”等获得如此大的轰动效应，在全国范围内引发轰动的讨论效应。取而代之的，一场展览正在成为朋友圈的九宫格，零星的几句点评。展览被看到的圈子扩大了，但展览被讨论的圈子却缩小了。

方力钧版画个展展览现场，艺凯旋画廊，2021年4月

当代艺术四十年，我们的展览出了什么问题？

　　策展人戴卓群如此概括中国当代艺术的发展历程：“改革开放之后兴起的新潮、前卫的当代艺术；从70年代末开始，经历80年代、90年代，再到2000年之后······40多年的时间里。我们的社会经历了从隔阂到匮乏，再到闭塞，滞后，并在2000年之后，迅速走向开放、更新和与世界同步的历程。”

　　在如今这个人工智能，和互联网高速发达的时代，我们的世界似乎变得更加开放，更加自由。从人们的生活方式，到艺术的生产机制，正在经历巨大的变化。相比起曾经那个看似信息贫乏，阻碍重重的时代，如今这个自由的时代带给我们的是信息的爆炸。与此同时，也带给我们新的问题。

谭平回顾展现场，当代唐人艺术中心第一空间，2021年5月

　　一方面，从艺术内部系统的来看。艺术家们的创作不再能找到着力点是其中一个表现。

　　艺术家做展览，总是在不断挑战一些权威，不断推翻历史上已经建立的话语权。比如，“西方”对于一代艺术家而言，就曾经是一座大山。他们既从中学习，又试图用自己的创造去推翻这座山。

　　今天，对于艺术家而言，尤其是年轻的海归派们，早就失去了这么做的价值与意义。

　　策展人朱朱谈到：“经过四十年的时间，我们见证的是经济、社会的快速发展，以及互联网时代的巨变。这造就了我们逐渐成为‘全球化的一代’，对西方的熟悉程度，对西方艺术的了解，以及对于西方的接受与不接受，早已不再是上一个时代所面对的二元对立的态度。”

赵赵个展“粉色”展览现场，大未来林舍画廊，2021年5月

　　另一方面，在互联网扁平化的时代下，我们对于艺术史的认识也在发生着改变。

　　在鲁明军看来：“今天的艺术家，接受信息的方式跟以前已经完全不同。以前的艺术家是通过艺术史纵向的维度来获取知识。现今互联网让一切信息都变得扁平化。艺术家不再是以时间的维度去认知艺术史，而是通过一个平面的互联网去了解世界。这导致很多艺术家的创作是不对历史做出承诺的，因此很难在艺术史上找到一个位置。”

　　一个最直接的表现是：如今我们看到越来越多相似的展览，这些展览的作品展出的是一批迎合时下年轻人的潮流文化趣味，消费趣味，大众趣味的作品。也都呈现出一种审美上的趋同化。

“魂兮归来——袁运生个展”现场，站台中国，2021年4月

这一切，或许都可以归结为：艺术家们在今天要面对的现实太过于强大。

这种强大体现在多个方面：比如资本、商业的影响；大众审美以及大众审查的裹挟等等。

当艺术家面对那些动辄耗资几百亿的建筑，还是小则一件大型的公共艺术雕塑，此时的展览和艺术家的创作显得微不足道。这也使得艺术家在讨论艺术时，不得不从职业化的角度，去寻找一些合理的依据。久而久之，艺术家成为了一种养活自己的职业，做艺术从群体变成了个体的工作。年轻一代从艺术院校出来之后，面临的首要问题不是创作问题，而是生存问题。

在一个庞大的商业系统里，展览作品的销售已经成为衡量艺术家成功与否的一个重要标准。因此，留给艺术家创作的空间也被相应地压缩。

与其同时，发达的社交媒体，也让艺术的审查制度相较以往更加严苛：从原来的官方审查单通道，到如今的“官方”、“民间审查”双通道。尤其是“民间审查”，不仅可能让一场展览因为一件作品被迫关闭，甚至可能让一位原本成功的艺术家在下一刻变得什么都不是。

鲁明军表示：“这些种种复杂的现实，都让当下的艺术创作变得更加困难。甚至让前卫、先锋这些当代艺术的代名词变得不可能。这也是为什么现在的展览变得失效的原因。”

“所以即便我们再看到那些曾经在艺术史上造成轰动的展览，也不再被打动了。”朱朱谈到。

今天，展览的价值

　　今天，我们关注一场展览，除了能够引起大众的观展热潮，对于一场好展览的标准要求越来越高，也越来越严苛。

　　在鲁明军看来，我们对于一个好展的预期是：它是否代表了一个时代的产物？是否能够突破现实的围栏，就某一个具体的议题提出有价值的批判？这需要艺术家一方面调动历史，把复杂的声音带到今天的场域；另一方面，在技术层面，找到与我们的切实关系。

　　朱朱则从更普遍的角度谈到了他的看法：“艺术是一种精神属性的东西。对于一场展览而言，是否能够在这个精神属性上满足这样的需求。是今天的展览要进一步突破的。”

“坂本龙一个展”现场，木木美术馆，2021年3月

　　作为新一代的策展人，杨紫坚信：“艺术的内核是很坚固的，难以改变。文艺复兴的画家将人物画得逼真，是为了观众能亲眼见证神迹，感受到心灵的震颤；这可能跟一个现代人参与好的所谓‘沉浸式’的展览的目标没有区别。现在我们面临的问题，一个是怎么达到这个目标；一个是这个目标到底是什么。这些问题都是很古老的问题。”

　　戴卓群则认为：“今天，我们不再受到时代无法逾越的限制。好局面才刚刚开始，个性、自由而多元。因此需要更开放、更包容、更个人、更自由的艺术来引领这个时代。我们需要的展览是要废除一切隔离，超越种族、地域和传统的囿限与顽固，向纯粹开放和自由而去。”

结语：

　　当下，我们不再缺乏展览，各类网红展、沉浸式体验展览已经捕获了一批所谓的文艺青年。展览的受众圈层正在扩展，但除了营造一种热闹的氛围，展览如何能够跨越大众与专业的隔阂，让更多的人能从艺术中体验到精神上的满足，还需要更多的努力。

　　正如杨紫所说，这是一个共同的目标，需要行业各界人士一起来打造。一场好的展览，应该体现出一种独到的审美、犀利的批判，并且能够有效地和普通观众之间建立起一座沟通、分享、理解的桥梁，将深奥难懂的艺术作品，用相对直白的、大众可接受的语言和形式表现出来。让观众除了在展览中获得视觉的满足，也能在快节奏的生活中，收获精神与心灵上的升华。而一场可称之为有价值的展览，则是在这一基础上，能够带给这个时代思考，并且跨越一切的隔阂，引领我们看向那个从未曾想象过的世界。